Electre/Oreste d’Euripide

Euripide, Electre/Oreste (traduction. Marie Delcourt-Curvers). – Paris, Folio (théâtre), 2019. 208p. – ISBN: 9782072851230

Représentation à la Comédie-Française jusqu’au 3 juillet 2019, mise-en-scène:
Ivo van Hove

Le Flamand Ivo van Hove, qui a monté avec succès la saison dernière Les Damnés de Visconti, revient à la Comédie-Française jusqu’au 3 juillet prochain avec un spectacle très réussi, de 2h10, où les deux pièces d’Euripide, Électre et Oreste, composent un drame unique, selon le souhait du metteur en scène.

La cohérence de ses composantes, visuelle, musicale et dramatique confère une grande force à ce spectacle et l’intensité de son rythme, qui ne laisse jamais place à l’ennui, agit puissamment sur le public.

Le dispositif scénique est efficace dans sa simplicité. L’organisation de l’espace retrouve en partie le dépouillement du théâtre antique, avec la skénè en fond de scène, baraque où certains acteurs entraient pour changer de masques et de costumes, puis ressortaient, et avec les parodoi, entrées latérales d’où arrivaient et partaient le chœur et des acteurs. Ici, au centre du plateau nu, une «boîte noire», comme l’appelle le scénographe, engloutit les personnages — «sorte de trou noir dans lequel on disparaît», commente van Hove. Cube abstrait, elle sert à la fois de cabane rustique, dans Électre, et de palais menacé de destruction, dans Oreste. Nul souci, on le voit, de représentation mimétique : l’espace rural et l’espace urbain sont fondus en un unique espace qui revêt ostensiblement une dimension symbolique, celle de l’exclusion, de la relégation. Il apparaît comme une sorte de “no man’s land” qui n’est relié au reste du monde que par une planche de bois étroite, à la gauche du cube, et qui correspond peu ou prou à l’une des parodoi du théâtre antique. Il convient de signaler aussi en fond de scène, de chaque côté du cube noir, les percussionnistes du trio Xenakis qui jouent un rôle très important car ils accompagnent avec constance et sobriété toute la représentation. On remarquera au passage l’influence profonde qu’a exercée Ariane Mnouchkine sur plusieurs générations d’hommes et de femmes de théâtre.

La matière qui recouvre cette étendue désolée n’est pas seulement un élément du décor sinistre ; cette boue, qui entrave le déplacement des acteurs, a une vaeur pleinement signifiante. Après le matricide, elle devient le lit de souffrance où s’engloutit Oreste dans sa folie et cette image, équivalent du lit euripidéen où gît le héros malade, ne peut que frapper l’esprit du spectateur. Ménélas s’y enfonce aussi à la fin du spectacle.

La même sobriété et la même force évocatrice se retrouvent dans le jeu des couleurs et des formes régissant le choix des costumes. Sur le plateau, tout est obscur, sombre, allant du brun foncé au noir, à l’exception du bleu roi lumineux des atours de Clytemnestre-Hélène jouées magistralement par la même actrice, Elsa Lepoivre, du complet de Ménélas, le roi fantoche, en tous les cas sans grandeur, interprété de la sorte par Denis Podalydès, et en dehors des costumes bleu vif des deux amis, Oreste et Pylade qui deviennent de plus en plus sombres et boueux au fil de la représentation, sans oublier l’apparition lumineuse d’Apollon qui surgit de la salle à l’extrême fin. Tous les autres personnages sont obscurs, extérieurement comme intérieurement. Électre et ses sept amies du chœur menées par Claude Mathieu, qui fait office de coryphée, sont ostensiblement mal vêtues, le personnage en short et débardeur, ce qui peut choquer au premier abord, et les choreutes, ses amies, dans d’amples vêtements sans forme, ce qui rend apparente leur misère physique et psychique. Décharnée, les cheveux très courts, toute agressivité, Électre occupe le plateau dans la première partie du spectacle qui lui est consacrée. Celle qui l’interprète, Suliane Brahim, nous touche, tant son désespoir est palpable, puis son rôle s’efface peu à peu dans la deuxième partie.

Tous ces éléments concourent à la création d’un mouvement dramatique puissant qui emporte l’adhésion des spectateurs. Le soir où nous étions dans la salle Richelieu, à la fin du spectacle, les applaudissements ont fusé. Euripide et le théâtre grec sont donc encore vivants grâce à des metteurs en scène comme Ivo van Hove et nous ne pouvons que nous en réjouir.

Que ceux qui partent en Grèce cet été sachent que le spectacle sera donné à Épidaure les 26 et 27 juillet. Pour ceux qui ne seront ni à Paris ni en Grèce, il leur reste à se rendre dans le Ciné-Pathé le plus proche de leur domicile pour assister en direct à cette représentation soit le 16, soit le 17 ou le 18 juin à 20h. Une opportunité à ne pas manquer, même si les gros plans sur les personnages boueux et sanguinolents ne favorisent pas une vision d’ensemble du spectacle.

La seule réserve que nous adresserons à ce spectacle concerne le choix motivé d’Ivo van Hove d’avoir monté deux pièces pour n’en faire qu’une. Il suit donc la trame dramatique donnée par la légende : Oreste tue l’amant de sa mère, l’usurpateur Égisthe, puis poussé par sa sœur, il tue leur mère. Cinq jours après le meurtre, il est la proie des Érinyes, les déesses de la vengeance qui le harcèlent. Jugé coupable par l’assemblée des Argiens, aiguillonné par Pylade, il se venge de Ménélas qui a refusé de l’aider. Il est prêt à mettre le feu au palais pour empêcher son oncle de s’en emparer. Chacune des deux pièces perd ainsi son autonomie, sa propre cohérence. Par exemple, le personnage d’Électre est méconnaissable d’une pièce à l’autre, d’où l’effacement progressif de l’actrice qui joue ce rôle : toute haine dans la première pièce, elle n’a plus ce caractère exclusivement farouche dans la seconde.

D’autre part, le metteur en scène, obsédé par le rythme effréné qu’il veut insuffler à son spectacle, a multiplié les coupures, au détriment de la complexité et de la variété de ton des pièces originales. C’est pourquoi les tirades sont rarement rendues intégralement. Le monologue du laboureur, le mari d’Électre, est écarté au début d’Électre et celui d’Électre au début d’Oreste est réduit aux derniers vers qui concernent directement l’intrigue. L’apparition des Dioscures à la fin d’Électre a été gommée pour permettre la «jointure» des deux pièces. Les débats, agôn entre Clytemnestre etsa fille d’abord, puis celui entre Tyndare et son petit-fils Oreste ont, eux, été bien respectés. La présence et la force de conviction de Didier Sandre en Tyndare doivent être mentionnées.

Ce qui nous a le plus gênés, c’est l’amputation quasi totale des parties chantées. Si le chœur n’est pas totalement absent — nous en avons parlé dans la présentation des personnages et de leurs costumes — il est essentiellement occupé à danser de manière sauvage et très expressive. Une même danse frénétique assure le lien entre les deux pièces, reprenant le refrain du début de la parodos d‘Électre («Presse le pas, car il est temps, / Marche, marche, tout en pleurant, ô douleur, ô douleur»). Or, dans le texte original, le chœur module des chants très poétiques ; ceux de l’Électre étaient particulièrement célèbres dans l’Antiquité. Les chants alternés entre Électre et le chœur ont aussi presque disparu, ainsi que les monodies du personnage d’Électre, notamment celle, très belle, qu’elle lance après l’annonce du verdict de mort pour son frère et pour elle ; de même une très grande partie de la monodie de l’esclave phrygien, qui a connu une grande notoriété dans l’Antiquité et qui devait être particulièrement audacieuse et originale sur le plan scénique, chorégraphique et musical, est escamotée. Comme des percussions ponctuent l’ensemble du spectacle, il ne restait plus de moyen pour souligner les parties chantées et poétiques, pauses qui ancrent le plus souvent l’intrigue dans un lointain passé, remontant jusqu’à l’ancêtre Tantale, l’illustre supplicié des enfers.

Un amateur d’Euripide peut donc trouver à redire, contester tel ou tel choix de Ivo van Hove. Il n’en reste pas moins que cette mise en scène, aux antipodes des représentations conventionnelles, académiques et pompeuses, avec les inévitables colonnes, toges ou autres accessoires poussiéreux, fonctionne parfaitement et trouve l’adhésion du public d’aujourd’hui. Libre aux spectateurs de retourner ensuite à l’œuvre d’Euripide et d’en découvrir une facette autre que celle proposée par van Hove et Van den Eynde, toute en tension et violence, en résonance avec notre époque troublée. Le spectacle fait en effet un parallèle explicite avec la «radicalisation» de certains jeunes mis au ban de la société, «processus animé d’une rage et d’une férocité extrêmes», précise van Hove. Ce parti pris, qui exclut toute nuance, nous semble contestable, mais s’il permet d’entendre le texte d’Euripide, nous nous inclinons.

En revanche, ce qui ne vaut pas du tout la peine, c’est le volume de Folio-Théâtre publié à l’occasion du spectacle. Il reprend, sans aucun complément d’information sauf quelques notes sporadiques en fin de volume, l’excellente traduction de Marie Delcourt, celle qui est utilisée pour la représentation et qui est remarquablement servie par les acteurs du Français. Elle était déjà disponible en Folio, Euripide, Tragédies complètes II. Ce nouveau volume est accompagné de l’introduction du tome I et des notices qui précèdent les deux pièces dans le tome II, toujours de la plume de Marie Delcourt. Pour le moins, nous aurions attendu quelques mots du metteur en scène sur son projet, la mention des coupures opérées et quelques photographies du spectacle ! Ce «coup» éditorial n’apporte rien au travail de van Hove. Il se contente d’utiliser son nom.

Christine Amiech,

Spécialiste de la tragédie grecque

Pour aller plus loin. Podcast France culture du 02/06/2019 intitulé”Electre/Oreste à la Comédie-Française : quelle place pour la tragédie grecque“

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