L’Antiquité en couleurs. Le vrai visage des statues antiques

Brinkmann (V.), Koch-Brinkmann (U.), Cleymans (S.), L’Antiquité en couleurs. Le vrai visage des statues antiques. – Louvain : Lannoo Campus, 2023. -119 p. – ISBN 9789401496544.

Crédit image. Première de couverture – Lannoo Campus

L’ouvrage, richement illustré, a été publié en lien avec une exposition qui se tient au musée gallo-romain de Tongres au nord de Liège, du 21 octobre 2023 au 2 juin 2024, en collaboration avec la Liebieghaus Skultpuren Sammlung de Francfort-sur-le Main. Il n’a cependant pas la précision d’un catalogue d’exposition : par exemple, les références précises des œuvres originales antiques présentées, avec leur taille, leur date, le lieu de conservation et le numéro d’inventaire, ne sont pas fournies. Il s’agit donc plutôt d’une brève synthèse destinée à un très large public. Les spécialistes de la polychromie de la sculpture grecque et romain n’y trouveront rien de neuf, mais les néophytes découvriront l’ampleur et la richesse des couleurs employées par les artisans de l’Antiquité, d’après les hypothèses récentes des archéologues modernes. Car – et c’est un point important à souligner – il ne s’agit que d’hypothèses : les nombreuses photographies de reconstitutions plastiques colorées (portraits ou statues) donnent à voir des propositions et ne s’apparentent en rien à dévoiler le « vrai » visage des statues antiques, dans le sens où leur état d’origine est perdu à jamais. Il nous faut admettre que nous ne verrons jamais l’archer du fronton du temple d’Aphaia à Egine ou l’Auguste de Prima Porta de la même manière que les Anciens les ont vus.

Ceci dit, il est utile de documenter l’éventail de la palette chromatique employée par les Anciens et de reconnaître que leurs productions plastiques n’obéissent pas forcément à nos critères esthétiques actuels (certaines personnes trouveront même sans doute certaines statues « kitsch », avec leur peau rosée !). Cela invite à remettre un peu de distance entre les Grecs et les Romains et nous, à leur restituer leur part d’étrangeté…

L’exposition organisée en Belgique s’inscrit dans la longue série des événements accueillis depuis 2003 dans un grand nombre de musées dans le monde, à l’initiative de l’archéologue allemand Vinzenz Brinkmann : des copies en plâtre, marbre naturel ou synthétique peintes ont été placées à côté d’originaux antiques sur lesquels les couleurs d’origine ont presqu’entièrement disparu. La première exposition de la série a eu lieu à Munich et depuis le catalogue, intitulé Bunte Götter (« Les dieux en couleurs »), n’a cessé de s’enrichir de nouvelles études et découvertes au fur et à mesure des cycles d’expositions, faisant en même temps l’objet de traductions en de nombreuses langues – excepté le français. En effet, jusqu’à présent l’exposition n’a pas été accueillie en France[1]. Le livre L’antiquité en couleurs rend donc accessible au public francophone, sous un format très court (fort différent des catalogues scientifiques), un aperçu des recherches menées par l’archéologue Vinzenz Brinkmann et la peintre Ulrike Koch-Brinkmann, qui réalise la mise en couleurs des copies d’œuvres antiques à partir de pigments naturels.

Le livre, pourvu d’une brève introduction, comprend cinq parties. La première explique les raisons de la persistance de l’idée selon laquelle les statues en marbre des Grecs et des Romains étaient blanches (à savoir : la disparition des traces de coloration sur les œuvres au fil du temps, la valorisation du marbre blanc à partir de la Renaissance, l’influence de la culture visuelle contemporaine qui donne à voir des statues blanches). Les deux parties suivantes brossent de façon assez schématique les grandes évolutions historiques dans l’utilisation des couleurs dans les arts grec et romain, insistant plus particulièrement sur le cas des œuvres en marbre et en bronze (il faut admettre que la vision qui en ressort est assez monolithique et fortement teintée d’évolutionnisme). La quatrième partie fournit des éléments sur les techniques employées par les sculpteurs et peintres de l’Antiquité, travaillant en étroite collaboration. La dernière partie retrace l’histoire de la découverte de la polychromie de l’art grec et romain à partir du XIX^e siècle (en passant un peu vite sur les résistances que cela a suscité dans le monde savant de l’époque), puis explique les méthodes employées aujourd’hui par les archéologues pour documenter les traces de polychromie sur les œuvres originales et en proposer des copies physiques, en marbre naturel, synthétique, ou en plâtre. Ces mises au point sont émaillées de brefs focus d’une page portant sur des œuvres étudiées, avec les hypothèses de reconstitution, ou les différents couleurs employées par les Anciens, à partir des principaux pigments concernés. Un lexique, à la fin de l’ouvrage, aurait été bienvenu pour récapituler la riche palette de matériaux mobilisés (par exemple, tout le monde ne connaît pas le « foie de soufre », en fait du sulfure de potassium !).

Si l’ambition du livre – sensibiliser le grand public à la présence de couleurs sur les œuvres antiques en marbre, qui peuplent nos musées – est louable, quelques mises en garde s’imposent. Sur la forme, d’abord. Le texte a été traduit du néerlandais, et il ne semble pas y avoir eu de révision par un archéologue français. On trouvera donc de curieuses traductions, par exemple quand il est question de « cheveux blond jaune », d’athlètes « qui se baladaient nus au soleil », de jupe plutôt que de tunique, voire des formulations totalement incompréhensibles : derrière la « limace de mer » il faut sans doute imaginer le murex, un mollusque vivant en Méditerranée, et qui fournissait le colorant pourpre… Il faudrait aussi davantage de rigueur dans le légendage des photographies présentées. Cela nous amène à d’autres remarques concernant le fond. Je l’ai souligné plus haut, les reconstructions en couleurs proposées, qui Illustrent abondamment le livre, ne sont que des hypothèses, ce qui est sensible lorsque les auteurs donnent à voir pour une même œuvre plusieurs essais, comme c’est le cas pour un portrait de l’empereur romain Caligula. A plusieurs reprises sont ajoutés des ornements métalliques, par exemple sur la statue de jeune femme retrouvée sur l’Acropole d’Athènes (connue par les archéologues sous le nom de « korè au peplos ») et dont les auteurs supposent qu’elle figurait la déesse Artémis : si l’existence de pièces rapportées en métal est assurée, la forme de celles-ci l’est beaucoup moins. Le recours à la comparaison avec d’autres medias (ce qui est une méthode tout à fait valide) ne permet jamais de formuler une hypothèse fiable à 100%. Ce point n’est pas laissé dans l’ombre, mais il devrait être davantage explicité aux lecteurs, notamment pour justifier les choix faits.

Autre réserve : l’analyse du rôle joué par les couleurs reste minimale. Le livre donne l’impression qu’elle est là pour donner du réalisme aux œuvres, dans le sens où les artisans s’en seraient servi pour reproduire de plus en plus fidèlement le réel. Mais c’est oublier que d’autres raisons présidaient à l’emploi de couleurs, par exemple que la vibration et l’éclat des matériaux colorés visaient à attirer le regard et participaient aussi d’une recherche de beauté propre à plaire aux dieux. Toutes les œuvres sont mises sur le même plan, alors qu’il faut tenir compte du contexte d’exposition, de la taille, de la fonction de la sculpture – et d’éventuelles spécificités régionales. On ne peut désolidariser les productions plastiques de l’écrin destiné à les recevoir ; une image divine placée dans un sanctuaire, comme objet de culte ou offrande, n’a pas la même signification qu’un monument funéraire, une statue honorifique ou un élément de fronton de temple… Les couleurs que chaque objet reçoit trouve sa justification dans l’effet recherché sur la personne qui verra l’œuvre, en se promenant dans une nécropole, en fréquentant un lieu de culte ou une place publique.

En somme, si l’ouvrage a le mérite de rappeler cette présence des couleurs, indispensable pour la finition d’une statue – ce que les Grecs nommaient la kosmesis, la « parure » conçue comme une mise en ordre – et qui lui conférait une forme d’agentivité (notons le soin spécial réservé au traitement des yeux), il laisse le lecteur sur sa faim quant à leur signification (on ne peut se satisfaire de raccourci comme l’idée que le bleu ou le rouge sur telle ou telle œuvre représenterait l’air…). Cela confirme en tous cas la nécessité pour les archéologues de collaborer avec des historien.nes des sensibilités pour affiner notre compréhension des motivations – culturelles, religieuses, sociales, politiques – qui ont sous-tendu ces pratiques et peuvent expliquer les évolutions et variations constatées.

On terminera en signalant d’autres pistes de lecture en français, pour approfondir, par exemple le recueil d’articles rassemblés par Brigitte Bourgeois (dir.), « Les couleurs de l’Antique », dans la revue Technè de 2019 (n°48). Par ailleurs, Brigitte Bourgeois  a entrepris depuis plusieurs années avec Violaine Jeammet l’étude des figurines grecques en terre cuite, dont la polychromie est mieux préservée, et qui servent donc souvent de point de comparaison aux œuvres en marbre : une publication est en cours, mais des articles sont déjà consultables. Enfin, un ouvrage coordonné par Maud Mulliez suite à un colloque portant sur la sculpture, l’architecture et la peinture antiques, envisage l’ensemble des modalités possibles de reconstitutions polychromes, avec le recours à l’imagerie virtuelle comme alternative à l’élaboration de copies physiques peintes : Restituer les couleurs : le rôle de la restitution dans les recherches sur la polychromie, en sculpture, architecture et peinture murale, Bordeaux, Ausonius, 2019 (un résumé disponible ici).

Adeline Grand-Clément

Professeure d’histoire grecque à l’université de Toulouse Jean Jaurès

[1] La question des couleurs de la sculpture et de l’architecture antiques a cependant été abordée en 2013 dans une exposition au musée de la Vieille charité à Marseille, à l’occasion de recherches menées sur le Trésor des Marseillais, un petit édifice rattaché au grand sanctuaire de Delphes. Le catalogue a été publié : Le Trésor des Marseillais : Catalogue d’exposition, Musée d’Archéologie méditerranéenne, Paris, Somogy, 2013.